Adoré ou détesté, le hard rock marque un tournant dans la musique rock.

Découvrons ensemble son histoire et ce qui le compose !

Qu’est-ce que c’est ?

Si on jette un coup d’œil au Larousse, on nous dit que le hard rock, c’est : “Forme violente du rock, caractérisée par une débauche d’énergie et un important volume sonore. (Synonyme : heavy metal.)”

Pour la deuxième partie de la définition, nous allons en discuter dans un prochain article. En attendant, je vais t’expliquer un peu mieux ce qu’est ce genre.

Le hard rock, c’est un style de rock qui voit le jour au milieu des 60’s. Il arrive après le mouvement du rock psychédélique, le flower power, etc.

Des groupes, fatigués de ces genres musicaux, ont commencé à rechercher un son plus puissant et lourd. Son qui, jusqu’à cette époque, était inédit.

Les origines

Le Hard Rock puise ses sources dans :

Le blues et le blues rock

Le blues rock a été importé par les artistes faisant partie de la british invasion. Ces derniers ont contribué à sa diffusion à la population blanche avec des reprises d’Howlin’ Wolf ou Muddy Waters. Il a été ensuite repris et apprivoisé par des Power Trio (groupe de 3 personnes) et des garages bands (ou groupe de garage si tu ne parles pas anglais).

On peut citer comme groupe de la british invasion : les Rolling Stones, les Yardbirds, les Faces, les Kinks ou encore les Beatles.

Par ailleurs, le blues imprégné par le jazz et le rock n’roll de Jimi Hendrix influencera grandement le hard rock.

Le Rock n’roll

Si tu veux en savoir plus, va lire cet article !

Des éléments afro-américains

Les démêlés avec le diable de Robert Johnson et Howlin’ Wolf entrouvrent les portes du satanisme. (Ou tout du moins des histoires avec le diable. Parce que, petit rappel, mais tous les rockeurs et metalleux  ne sont pas satanistes. Mais ça, c’est un autre débat…)

Avec ses prestations scéniques (hurlements et gestuelles), James Brown désinhibe des générations de chanteurs blancs. Les postures extraverties, les gémissements et les cris deviennent des éléments essentiels d’une prestation.

La musique baroque

Il est important de noter le début du lien entre le (hard) rock et les techniques d’écriture de la musique baroque.
Là, tu vas me dire que j’ai complétement perdu la tête. Mais non !

Le solo de Highway Star du guitariste Richie Blackmore de Deep Purple est un parfait exemple.

On y retrouve une majorité d’ingrédients propres à la musique de Bach :

• Répétition de figures mélodiques (dans ce cas, ce sont des arpèges),
• Structure de phrases très carrée,
• L’approche virtuose de l’instrument,
• Progression harmonique type.

Les règles principales du hard rock

Le riff

Il est généralement composé de « power chords » et est influencé par le rock n’ roll des premières heures. La nouveauté vient de l’utilisation d’accords en dièse (augmenté) et bémol (diminué). Ces derniers permettant de créer des progressions harmoniques plus complexes.

Un riff qui représente à lui seul le hard rock est celui de Smoke On The Water de Deep Purple. Simple, mémorable, propulsif. Avec ses passages syncopés, il formera la base de milliers de titres de ce genre.

La rythmique

Le hard rock reprend les bases du rock n’roll des débuts, à savoir un rythme en 4/4 avec les 2^e et 4^e temps marqués. Mais désormais, la frappe des batteurs et beaucoup plus lourde ! Ce qui donne naissance à une pulsation particulière, nous incitant à remuer la tête. C’est le fameux « headbanging ».

C’est également possible d’entendre des rythmes shuffles tirés du blues rock à l’occasion.
Le rythme blues ou « shuffle » est une division en 3 parties dont on aurait sauté le 2^e battement. Cela donne un effet traînant à la mélodie.

LE rythme incarnant le mieux le hard rock, c’est celui de Rock and Roll de Led Zeppelin (joué par John Bonham). Ce dernier martèle tous les temps : le 1^e et le 3^e à la grosse caisse et le 2^e et 4^e à la caisse claire. C’est lourd, fort et visuellement impressionnant.

Bonham devient l’archétype du batteur hard rock : cognant sa batterie, en nage et à fond dans sa musique.

L’omniprésence de la distorsion

La distorsion, c’est la transformation/déformation du son entre le moment où le son est émis par l’instrument et celui de sa diffusion par les haut-parleurs.

Une des toutes premières façons de produire de la saturation consiste à mettre l’ampli au maximum.

En 1958, Link Wray introduit la pédale de distorsion. Cependant, les expérimentations de guitaristes tels que Jimi Hendrix, Dave Davies (Kinks), Pete Townshend (Who), Eric Clapton (Cream) ou Jeff Beck (Yardbirds) ainsi que les avancées technologiques, ouvrent la voie à de nouvelles méthodes (dont le phasing, le feedback et la distorsion).  L’une d’entre elle est la pédale fuzz. Commercialisée au milieu des années 1960, elle offre un meilleur contrôle. Il suffit de l’insérer entre l’instrument et l’ampli.

La saturation sonore crée deux effets principaux :

La stabilité harmonique

Elle vient du fait que la distorsion étend les sonorités de la guitare autant dans les graves que dans les aigus. Les harmoniques aigües ajoutent de la brillance au son et les graves permettent de faire naître des sonorités en dessous de la tessiture habituelle de l’instrument. Ce qui fait du hard rock une des musiques les PLUS STABLES qui soient harmoniquement parlant !! Eh ouais dans les dents !

Le sustain

C’est la capacité de maintenir le son. Lorsqu’une note est pincée à la guitare acoustique ou électrique sans saturation, elle décline rapidement. Avec un signal fortement distordu, le son est compressé et forme une sorte de boucle qui peut être maintenue indéfiniment.

Le hard rock et ensuite le heavy metal vont changer la qualité de la distorsion. De parasite, elle devient synonyme de force et de puissance.

Les paroles

Ces dernières parlent de thèmes qu’on retrouve dans le blues. C’est-à-dire les amours brisés, la solitude, la drogue, l’alcool, les femmes voire le sexe à grand renfort de sous-entendus.

Il faut préciser que ne nombreux groupes ont été taxés de misogynie. (Bon sur ce plan-là, on peut constater qu’à l’heure actuelle la misogynie se retrouve un peu dans tous les styles).

La formation des groupes

Le hard rock va tout autant triompher grâce à :

Des Power trio

Comme Cream, Grand Funk Railroad, Mountain ou Rush.

Des quatuors

Avec, par exemple, Led Zeppelin ou Black Sabbath.

Des quintettes (à clavier)

On peut citer, ici, Deep Purple, Uriah Heep, Steppenwolf ou MC5.

Le hard rock a continué de se développer. Dans les années 70, aux côtés des groupes cités précédemment se rajoute une 2^e vague d’artistes hard rock tels que Judas Priest, UFO, Thin Lizzy ou Scorpions.

Cependant, cette 2^e vague se considère également dans la catégorie du HEAVY METAL.

Dans un prochain article, nous verrons ce qu’est ce genre, dont la frontière avec le hard rock est très fine, mais présente quand même.

En attendant, tu peux retrouver ci-dessous des caricatures de groupes appartenant à ce genre ci-dessous. Tu peux aussi trouver la playlist dédié à l’article en cliquant sur le bouton.

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Tu peux voir ci-dessous des artistes appartenant au Hard Rock.

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Sources :

Une Histoire musicale du rock – Christophe Pirenne

Histoire du Rock : https://histoiredurock.fr.gd/Hard_Rock.htm

La (petite) histoire du Rock #4 : Le Hard Rock et le Heavy Metal – Raff de HGuitare – Hguitare https://www.hguitare.com/communaute/blog/conseils/histoire-du-rock-hard-rock-heavy-metal

Histoire du Hard Rock, l’arrivée d’une musique lourde et saturée – Dominique Mesmin – Cadence Info: https://www.cadenceinfo.com/le-hard-rock-histoire-et-evolution.htm

C’est quoi un shuffle ? Le rythme du blues expliqué aux débutants – Alexis – Guitar School Garden : https://guitarschoolgarden.fr/techniques/shuffle-blues-debutant/

Apprendre le solfège – Binaire et Ternaire (temps) : https://www.apprendrelesolfege.com/binaire-et-ternaire

Larousse : https://www.larousse.fr/encyclopedie/divers/hard-rock/57425

Claire Abe

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Aujourd’hui, nous nous retrouvons pour parler de l’union de deux genres musicaux aboutissant à un très célèbre style de rock : le FOLK ROCK !

Mais avant tout, pour pouvoir parler de la musique folk rock, il faut savoir ce qu’est le folk. Parce que ces deux sortes de musique sont intrinsèquement liées.

Ce qui veut dire que cet article sera un peu plus long que d’habitude, alors installes-toi bien ! 😀

Qu’est-ce que la musique folk ?

En 1954, l’International Folk Music Council décrète que son objet d’étude (donc le folk) est « le produit d’une tradition musicale qui a évolué au cours d’un processus de transmission orale ».

De façon plus simple, une chanson folk est une mélodie transmise de génération en génération en oubliant progressivement ses origines et le nom de ses auteurs.

Cependant, avec le folk revival (dans les années 60), la dernière partie de la définition devient obsolète.

Avec ce mouvement :

• Les artistes font revivre une pratique existant depuis au moins 1 siècle (d’où le folk revival)
• Les nouvelles chansons folks sont localisées, attribuées et datées.

Les instruments de la musique folk

On peut retrouver notamment :

• Les guitares / Dobros / mandolines / ukulélés ;

• Des banjos ;

• L’harmonica ;

• Du fiddle / violon (la différence entre les deux instruments, c’est que le fiddle est un instrument populaire et le violon est plus pour la musique classique) ;

• L’accordéon ;

• Des instruments « DIY » / non conventionnels (cuillères, pot de grès etc).

Le folk aux USA

C’est la musique des Appalaches qui est la principale source de renouveau dans le folk. Les Appalaches c’est une chaine de montagnes à l’Est des USA.

Cette dernière est dérivée de diverses influences européennes et africaines. On peut notamment y entendre l’influence des ballades anglaise et de la musique traditionnelle irlandaise et écossaise.

La musique des Appalaches donne au folk :

• Un cadre instrumental : un chanteur accompagné ou s’accompagnant à la guitare
• Un cadre littéraire : paroles évoquant les réalités de la vie quotidienne comme l’argent, le travail, l’amour ou mort. Elles évoquent également des événements comme la guerre, les mouvements ouvriers, les injustices sociales/légales affectant la vie des gens.

En comparaison aux textes de la pop ou du rock, le folk est une musique « sérieuse ». Elle va intéresser davantage les jeunes adultes éduqués de la ville, que la classe ouvrière rurale. Classe dont le folk est censé être issu.

Pour ses fans, son attrait n°1 est le fait que le folk est une musique de « gens ordinaires » pour des « personnes ordinaires ». Les artistes ne sont pas supérieurs au public, ils le représentent. Seule compte une prestation simple, directe et sans prétention.

L’implantation urbaine et la découverte du folk par les classes moyennes s’est faites dans les années 40. Elle est symboliquement associée à la rencontre de 3 traditions distincte à New York :

• La country blues de Leadbelly
• Les Dust-bowl ballades de Woody Guthrie
• Le folk urbain de Pete Seeger

Néanmoins, le succès du folk a mis longtemps à arriver.  Pour cause, ce succès elle ne concernait qu’une petite partie de la population. C’est avec l’arrivée du Calypso, en 1957, que les opinions allaient changer.

Le Calypso

C’est une musique issue des Caraïbes et popularisée aux USA par Harry Belafonte (Jamaica Farewell, The Banana Boat Song).

Les textes de ces chansons sont constitués parfois d’un patois anglo-jamaïcain. Quant à l’accompagnement, il inclut une guitare acoustique et des bongos (qui donnera une aura folk à ce genre).

D’autres groupes (généralement constitués d’étudiants universitaires) surferont sur le succès tel que le Kingston Trio, les Brothers Four ou les Highwaymen.

La musique Calypso aidera à l’essor du folk aux USA.

Le développement du folk se poursuit avec de nombreux artistes. On peut citer : Peter, Paul and Mary, Bob Dylan, Joan Baez, Phil Ochs, Tom Paxton, Patrick Sky, Eric Andersen, Judy Collins ou Léonard Cohen.

Le folk en Angleterre

En Angleterre, l’intérêt pour le folk se manifeste depuis plusieurs décennies. Dans tout un tas d’initiatives de toutes parts, certains artistes réussissent à tirer leur épingle du jeu comme Shirley Collins, Mat McGinn ou Bob Davenport.

Pourtant, fin des années 1955, c’est Lonnie Donegan qui change le cours de la musique avec sa reprise du titre Rock Island Line.

Dans sa chanson, le rythme va crescendo et il utilise des instruments « fait maison » (dans ce cas, une planche à laver).

Cependant, rien n’est neuf, ni la composition, ni la configuration instrumentale. Leadbelly et le skiffle les avaient déjà utilisés précédemment.

Le Skiffle

D’origine américaine, il désignait une musique jouée essentiellement par des afro-américains. Il émerge au début du XXe S. à la Nouvelle-Orléans et se répand dans tous les États du Sud de l’Amérique peu après.

Ils utilisaient, en plus des instruments à cordes (guitares, banjos, mandolines), des instruments bricolés à partir d’accessoires domestiques tels que les planches à laver, des basses à cordes dont la caisse de résonance est constituée d’une boite, les kazous, des violons fabriqués avec des boîtes de cigares ou l’utilisation de peignes qu’on frotte sur le papier.

Ce qui permet à Lonnie Donegan de connaitre le succès, c’est le fait qu’il a apporté l’énergie et l’excitation qui manquait à l’époque à la musique anglaise. Il a permis aux ados d’avoir une musique à laquelle se raccrocher.

Même si son succès fut bref, son influence perdurera des décennies après. Les jeunes anglais de l’époque considéraient le skiffle comme une fenêtre sur l’Amérique. Les succès de Donegan sont devenus le manuel de centaines d’apprentis guitariste :

• Après avoir joué du skiffle : Cliff Richard s’engagea dans la voie du rock n’roll, Martin Carthy dans le folk, Alexis Korner commença à électrifier le blues,

• John Lennon fut d’abord un joueur de skiffle,

• Lors de la 1^e prestation TV de Jimmy Page, celui-ci jouait également ce style de musique.

• Ritchie Blackmore (Deep Purple), Robin Trower (Procol Harum) et David Gilmour (Pink Floyd) ont fait leur classe dans ce genre.

Le Folk en Europe

France

En 1960, Hugues Aufray apporte ce style et le mélange également avec la musique latine et sud-américaine. Il propose des interprétations attachées à d’autres folklores que celui des USA. Parallèlement, il propose des transpositions de chansons de Bob Dylan.

La musique folk continue de s’étendre dans les années 1970 avec les groupes Malicorne, Maluzerne, Mélusine, Tri-Yann ou Alan Stivell. On parle là aussi du folk revival.

Dans les années 80, on peut constater un fort développement de la musique bretonne qui vient se rattacher inévitablement à la musique folk.

Plus globalement, on peut constater des différences au niveau des instruments. En France et en Europe, on utilise violons, tin whistle, cornemuses et vielles à roue. Plus tard, l’accordéon viendra se joindre et sera à l’origine du style musette.

Passage du folk au folk rock

En 1965, Bob Dylan marque un tournant dans la culture populaire avec l’apparition de Bringin’ It All Back Home, Highway Sixty One Revisited et Blonde on Blonde :

• En amalgamant avec succès la littérature orale et la tradition du folk, il fait entrer le texte de la chanson populaire dans la littérature.
• Et en ajoutant des instruments électriques dans certaines de ses compositions, Bob Dylan devient le promoteur d’un nouveau genre : le FOLK ROCK.

Les critiques seront au rendez-vous autant pour les textes que pour le folk rock. Il devient traitre et opportuniste pour les uns et messager de génie pour les autres.

Au départ, la communauté folk s’exprime peu face à ce changement. C’est à partir de sa prestation au Festival Folk de Newport que les réactions apparaissent. Il sera hué par une moitié de la foule et Pete Seeger ainsi que d’autres « ainés du folk » se sentiront trahis. Tout cela car, dans les esprits, en passant de l’acoustique à l’électrique, Bob Dylan vendait son âme à la musique pop et donc au grand capital.

Pourtant, toutes ces controverses et l’adhésion des amateurs de rock à la démarche de Bob Dylan ont fait du folk rock une tendance fulminante de l’industrie musicale !

Dès l’été 1965, des dizaines de titres empruntés ou inspirés de Bob Dylan sont publiés :

• Les Turtles entre dans les charts avec It Ain’t Me Babe ;

• Sonny and Cher connaissent le succès avec All I Really Want To Do ;

• Dans le même temps, des protests-songs plus anciennes comme Universal Soldier de Buffy Sainte-Marie (1964) ou There But For Fortune de Phil Ochs (1964) sortent rapidement en version électrifiée.

Derrière ces sorties précipitées, le folk rock voit aussi rapidement surgir des figures originales et durable du genre comme les Byrds, Simon and Garfunkel ou The Mamas and The Papas.

Dès 1965, le terme Folk Rock est devenu un vaste fourre-tout. On y mettait les artistes qui mélangeaient des textes engagés, des airs de folk et des instruments du rock. Peu importait le son, le degré d’engagement ou l’orientation de l’artiste. Mais le mouvement était lancé et ses différentes branches allaient se montrer aussi nombreuses que durables.

Donc si nous devons définir le folk rock, c’est un genre musical dérivé du folk, où l’on a rajouté le rythme du rock ainsi que des instruments électriques.

Le folk rock en Angleterre

Cette nouvelle approche instrumentale, associée à l’électrification et à un répertoire national inépuisable, donne jour à une importante branche du Folk Rock dont la notoriété égalera celle d’autres formes de rock.

L’Incredible String Band, Pentangle et Fairport Convention ouvrent le cortège, suivis par des très nombreux guitaristes tels que Davey Graham, Bert Jansch, Martin Carthy ou John Renbourn.

Le folk rock aux USA

Bob Dylan, qui avait totalement disparu après un accident de moto lui ayant presque couté la vie, revient. Il enregistre dans un premier temps un album avec le groupe canadien The Band en 1967.

Il reprend sa production personnelle en janvier 1968 avec l’album John Wesley Harding, dont sera extrait le fameux All Along The Watchtower.
Eh oui ! C’est une chanson originale de Bob Dylan, repris par Jimi Hendrix. Et personnellement, j’aime les 2 versions.

À ses côtés, Leonard Cohen contribue à confirmer l’émergence d’une musique populaire littéraire. Et pour cause, ce dernier se fait connaitre d’abord en publiant des recueils de poésie. Pour ceux qui ne connaitraient pas Leonard Cohen, c’est l’auteur, compositeur et interprète original du titre Hallelujah.

On peut ajouter parmi les groupes de Folk Rock, Buffalo Springfield et Crosby, Stills and Nash (parfois accompagné de Neil Young).

Aujourd’hui, les deux genres sont encore très liés. Les artistes oscillent entre les deux. La différence, c’est qu’il y a moins de débat entre l’utilisation d’instruments électrifiés ou non pour un titre.

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Sources :

Une histoire musicale du rock – Christophe Pirenne

Wikipédia

https://stringfixer.com/fr/Appalachian_folk_music

La musique folk des années 60 – T. Chatain – Cadence Info : https://www.cadenceinfo.com/la-musique-folk-des-annees-60.htm

https://www.larousse.fr/encyclopedie/divers/ragtime/85432

What are the Main Instruments in Folk Music? – Dave Fox – Youtube Music Sucks : https://youtubemusicsucks.com/what-are-the-main-instruments-in-folk-music/

Artiste Audio : https://artisteaudio.fr/histoire-de-la-musique-folk/

Claire Abe

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La dernière fois, nous avons vu que dès la création du rock n’roll il existait 4 genres différents.

J’ai déjà abordé les caractéristiques du rock n’roll mainstream et du rockabilly dans l’article juste ici. Aujourd’hui c’est au tour des deux derniers genres : le soft rock et le doo-wop !

Alors c’est parti !

Le Soft rock

Si le rockabilly a fait polémique quant à son authenticité, le soft rock représente l’INADMISSIBLE à l’époque.

Que le rock -musique de rébellion– puisse être doux est tout simplement impensable et impossible. Beaucoup le considère soit comme “incomposable”, soit comme une imposture, ou encore les deux en même temps.

Les caractéristiques du soft rock

Les caractéristiques sont :

• L’utilisation de tempos lents, voire ennuyants,
• L’absence de backbeats marqués,
• Une focalisation presque exclusive sur la recherche de « belles » mélodies,
• Des recours fréquents à des rythmes ternaires (pulsation sondée en 3 notes d’égale durée)
  exemple : I Want You, I Need You, I Love You d’Elvis Presley
                    Love Letter In The Sand de Pat Boone

• Une utilisation de 4 accords qui se succèdent en une suite.

Cependant, certaines peuvent avoir des caractéristiques du rock :

• Certaines ont un tempo plus rapide.
  On peut citer comme exemple Wonderful Time Up There de Pat Boone. Cette chanson a un tempo de 185 pulsations par minutes avec en plus une très légère accentuation sur les backbeats.
  

• De nombreuses « belles » mélodies contiennent des blue notes,
  
• Elles contiennent aussi des manières de chanter issues directement du rhythm and blues (falsettos, onomatopées, …). Ainsi qu’un timbre qui ancre plus fermement encore le soft rock dans le rock n’roll.

D’autres caractéristiques, cette fois concernant la production de la musique soft rock sont présentes comme :

• Une influence italo-américaine dans certains aspects de la musique (même si on peut dire que toutes les influences euro-américaines sont à niveaux égaux). D’ailleurs, de nombreuses figures du soft rock sont des italo-américains.
  Exemple : Frankie Avalon (Francis Avalon), Bobby Darin (Walden Robert Cassotto) ou Connie Francis (Concetta Franconero). Tous ont américanisé leur nom en conservant une part de leurs références culturelles.
  
• Son ancrage géographique : une grande partie des artistes de ce genre viennent du nord-est des USA. Et plus particulièrement de Philadelphie où se trouve 3 firmes indépendantes nommées Chancellor Records, Cameo et Swan.

Le soft rock complémentaire au rock n’roll mainstream ?

Eh oui ! Le soft rock s’impose comme un complément naturel et nécessaire à l’existence du rock n’roll mainstream.

Tout d’abord, il faut savoir que les différents genres de rock sont également des styles de danse ! Pour une partie des ados de l’époque, c’était d’ailleurs l’un de ses principaux attraits. Et que ce soit dans n’importe quelle soirée, il a paru essentiel de contrebalancer les musiques “dures et rapides” avec celles plus lentes et douces. Et ce pour 2 raisons :

1. Pour une question physique : danser sur un tempo de 180 (et plus) pendant des heures requiert une bonne capacité physique. (perso, j’adore danser, mais dans ces conditions je passe mon tour, merci bien !)
   
2. Pour des raisons plus sentimentales : les ados aiment les slows. Ça leur permet d’approcher la cible qu’ils regardent du coin de l’œil – plus ou moins discrètement – depuis quelques minutes (ou heures) et d’essayer de la (ou le) pécho.

Le soft rock représentait une telle nécessité que beaucoup de rockers s’y sont mis. On a comme exemple du genre le titre Love Me Tender d’Elvis.

Cependant, si certains enregistraient occasionnellement des titres soft rock, d’autres se sont spécialisé dans le domaine, notamment Paul Anka et Pat Boone.

Pat Boone a, par ailleurs, connu des succès en reprenant des hits du rock n’roll mainstream et en les faisant découvrir à son public. Il a donc servi de passerelle entre la musique rock mainstream (genre musical qu’interdisaient les parents d’écouter) et les ados et jeunes adultes de l’époque.

Le Doo-Wop

Ce dernier est un dérivé du rhythm and blues et du rock n’roll.

C’est le soft rock des afro-américains ,si je peux l’appeler comme ça, sauf qu’il existe depuis plus longtemps.

Ce genre existe depuis la fin des années 40, mais elle ne sera nommée que bien des années plus tard (genre 40 ans après, ce qui est rare !). Et encore, c’est un terme qui a été utilisé précédemment pour définir des groupes de rock n’roll blancs de la fin des années 60.
Quand le terme de Doo-Wop se fixe dans les années 80, il désigne un répertoire vocal produit dans les années 40-50 par des groupes majoritairement noirs et presque toujours constitués d’hommes.(je vais éviter de faire une remarque sur ce dernier point)

D’ailleurs, le doo-wop fait référence aux onomatopées chantées par les chœurs. Les « shabada bada », les « sha-na-na-na-na » ou encore les « doo-be-doo-be-doo” ou les « doo-wop ». On peut dire qu’ils se sont vraiment foulés pour trouver le nom du genre…

Ses racines viennent des harmonies dites barbershop (une pratique remontant à la seconde moitié du XIXe siècle). Les boutiques de barbier constituaient le point de ralliement d’ensemble a capella utilisant des harmonies en quinte, en quarte et en tierce.

Deux groupes ont eu du succès dans les années 30 et 40 avec ce genre de musique : The Mills Brothers et The Ink Spots. Ils vont influencer les groupes de doo-wop et les surf groups qui apparaîtront ensuite surtout avec leur utilisation des close harmony (le chant à intervalles rapprocher si on traduit).

D’autres liens sont à ajouter pour compléter le doo-wop :

• Le gospel : pour l’aspect dramatique des interprétations
• Le rhythm and blues : pour le rythme et les instruments.
• Le soft rock : pour les timbres doux, les temps modérés ou lents et le même découpage de temps.

L’idée du Doo-Wop, c’est de renforcer le chant solo avec des harmonies vocales et des refrains syncopés.

Les groupes de ce genre sont surnommés « bird groups », « car groups » ou encore « V groups ». Ces groupes se baptisent souvent avec des noms d’oiseaux (pas des insultes ,des vrais noms d’oiseaux), des noms de voitures et on peut également constater que de nombreux de groupes ont un nom commençant par un V.

On peut citer parmi eux : The Crows (les corbeaux), The Ravens (les corbeaux), The Penguins (les pinguins), The Falcons (les faucons), The Wrens (les roitelets), The Cadillacs, The Lincolns, The Imperials, The Impalas, The Valentines, The Veltones, The Velons ou The Velvetones

Les caractéristiques du doo-wop

Les caractéristiques sont :

• La multitude d’enregistrements sans ancrage géographique,
• La présence d’onomatopées (mais je crois que vous vous en doutiez déjà),
• Des textes romantiques et niais,
• De belles harmonies,

Une autre caractéristique du genre est la chorégraphie. Les chanteurs en costume/cravate se mettent en ligne et danse en coordination avec des petits mouvements de jambes, des mouvements de bras, de tête et même un petit déhanché.

Même si généralement on ne retient pas leurs noms, deux groupes sont emblématiques du genre doo-wop et présente la majorité des caractéristiques citées précédemment : The Coasters et The Platters (et il y a une fille dans ce dernier groupe !).

On peut aussi nommés le groupe The Drifters comme exemple dont Clyde McPhatter (fondateur) et Ben E King ont été chanteurs.

Vous connaissez maintenant les 4 premiers genres de rock n’roll présent dès les années 50. Ces genres vont évolués et continuer à faire d’autres genres pour créer les sonorités que nous entendons aujourd’hui.

Maintenant, vous avez toutes les cartes en mains. Dis-moi si tu es plutôt rock n’roll mainstream, rockabilly, soft rock ou doo-wop ?

Nous arrivons à la fin de cet article. Tu peux retrouver la playlist consacrée à ce dernier juste là ! Aussi, n’hésite pas à partager si tu as aimé ou si tu penses que ça peut intéresser quelqu’un que tu connais.

Aussi, tu peux retrouver toutes les caricatures juste ici !

À bientôt !

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Sources :

La noire, la blanche et la ronde – Les figures musicales – Apprends les rythmes – Cours de musique : https://www.youtube.com/watch?v=hxU1g4w7Jvshttps://www.youtube.com/watch?v=hxU1g4w7Jvs

Une histoire musicale du Rock – Christophe Pirenne

Wikipédia

Bookwiki – encyclopédie libre : https://boowiki.info/art/doo-wop-2/doo-wop-4.html

Claire Abe

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Aujourd’hui, quand on parle de rock (et de metal), on peut constater qu’il y a énormément de catégories. Face à ça, on peut se sentir un peu perdu (ou beaucoup ça dépend).

Cependant, cette diversité de genres remonte à la création du rock n’ roll. Nous allons voir ça tout de suite.

Tout d’abord, le rock n’roll est apparu dans les années 50. Si tu n’as pas lu l’article sur la création du rock et de ses créateurs, je te mets le lien ici. Mais dès son apparition, on peut s’apercevoir qu’il existe 4 sortes de rock différent !

Voyons les caractéristiques de chacun d’entre eux en 2 articles (je prends soin de nos neurones ;))

Le Rock n’Roll Mainstream

Le rock n’roll mainstream désigne le rock n’roll qu’on entend à la radio. Ses caractéristiques sont :

L’influence dominante de la musique noire.

Presque tout dans ce style ramène au Rhythm and Blues. Le lien le plus direct est formel et harmonique.

– What’d I Say de Ray Charles

– Whole Lotta Shaking Going On de Jerry Lee Lewis

– Ain’t That A Shame de Fats Domino

– Rock Around The Clock et Shake, Rattle and Roll de Bill Haley

– Johnny B. Goode de Chuck Berry

– Hound Dog, Jailhouse Rock et I Got Stung d’Elvis Presley

– Tutti Frutti, Lucille et Good Golly Miss Molly de Little Richard

C’est une liste non exhaustive d’exemples de blues dont la forme initiale n’a pas toujours été respectée. Que ce soit au niveau des mesures ou de la construction des chansons.

L’accompagnement est souvent joué à la contrebasse

C’est d’ailleurs un des éléments les plus emblématiques. Sa principale caractéristique est d’être plus mélodique et de jouer un rôle plus actif dans le rock n’roll et le blues que dans la variété et le country and western.

Un tempo rapide

Voire très rapide. Il se peut qu’une chanson ait une pulsation à la noire largement supérieure à 180.
Pour ceux dont les notions musicales sont très lointaines, voire nulle, une noire égale un temps.

Le traitement de l’accentuation est différent

Dans la musique populaire, sur 4 mesures, le 1e et le 3e temps sont généralement plus prononcés que le 2e et le 4e. Dans de nombreuses chansons rock, l’approche habituelle est inversée. Cela constituerait une des raisons de l’attrait pour le rock.

Des performances vocales s’inspirant, elles aussi, du Rhythm and Blues

Une part de la réputation du rock vient du nom donné aux chanteurs : les shouters (crieurs). Ces derniers sont plus habitués à cracher leurs mots qu’à les chantés. Cette pratique s’installera dans le rock. On peut citer comme exemple type Little Richard.

D’autres se contentent de changer leur timbre de voix pour lui donner un aspect plus dur et/ou plus rauque. Cependant, la majorité des chanteurs de rock chantent comme ceux de variété.

Aussi, parfois, dans les chansons, quand le chanteur ne chante/ne crie pas :

• Soit un soliste prend le relais avec son instrument,
• Soit les chœurs chantent/crient en réponse à ce dernier.

Cette pratique nous renvoie, une fois de plus, aux pratiques afro-américaines des chants de travail, du blues et du jazz.

Néanmoins, le rock n’ roll mainstream (et toutes les formes de rock après lui) est bien plus que de la musique. Ce sont aussi des textes, des attitudes, des vêtements, des tendances capillaires, etc.

Le texte

Si on regarde les textes du rock n’ roll, il n’y a rien de révolutionnaire. La majorité parle d’amour. Ce sont les sonorités et la tournure des textes qui marquent.

Le genre ne se prend pas la tête, ne donne pas de leçon ou ne souhaite pas délivrer de message cohérent. Ils revendiquent le fait que l’amour, l’amitié et autres divertissements soient la priorité des adolescents.

Ce constat est étonnant lorsqu’on sait que la majorité des rockers viennent de milieux sociaux difficiles et que leurs biographies témoignent des mal fonctionnements des USA à l’époque (ségrégation, poor white trash).

Ils n’ont pas de messages revendicateurs, mais une volonté de toucher le cœur et les tripes des jeunes.

Le Rockabilly

Le rockabilly est un mot valise du rock et hillbilly. Ce dernier désignant la musique traditionnelle blanche (ou le stéréotype du paysan inculte et attaché à ses terres, mais on va rester sur la première option).

Certains fixent sa “date de naissance” au moment de la sortie de that’s All Right Mama d’Elvis en 1954.

Il est aussi, à l’origine, l’œuvre de petits labels indépendants comme Sun Records. Mais d’autres labels marqueront son existence comme Meteor Records, King Records, CBS ou Chess Records.

La grande différence entre le rock n’roll mainstream et le rockabilly, c’est le dosage de la musique country and western.

Ses caractéristiques sont compliquées à définir comme ça. C’est en le comparant au rock n’roll mainstream qu’il est plus facile de repérer ses traits.

Plus de retenue

Le rockabilly est plus dans la retenue. Il y a moins de sons bruts, de sauvageries et de brusqueries.

Le traitement des backbeats

Il y a aussi moins d’insistance sur les backbeats (2e et 4e temps d’une mesure). Ce qui vaudra une première controverse dans le milieu du rock entre authenticité et commerce.

On retrouve, dans le rockabilly, une majorité de blancs du sud des USA qui travaillent dans les mêmes studios et avec les mêmes musiciens que les stars du rock n’roll mainstream. Plus encore, certains oscilleront entre les deux genres. On peut citer des exemples comme Jerry Lee Lewis, Carl Perkins ou Bill Haley.

D’autres caractéristiques propres au rockabilly sont :

Les paroles

Elles font références aux thèmes récurrents de l’époque, c’est-à-dire : les voitures et les relations sentimentales.

La construction des mélodies

Les chansons suivent souvent des schémas en 8 ou 16 mesures directement hériter du country and western.

Les chansons citées ci-contre en sont des exemples :

• Peggy Sue, Not Fade Away et That’ll Be The Day de Buddy Holly

• Wake Up, Little Susie et Bye Bye Love des Everly Brothers

• Susie Q. de Dale Hawkins

• Great Balls On Fire de Jerry Lee Lewis

L’emploi quelques fois de la forme blues

On peut constater la présence parfois de la forme blues dans les mélodies. Cependant, elle ne donne pas ce style à la chanson.

Par exemple :

• Oh boy ! de Buddy Holly

• Bird Dog des Everly Brothers

• Be-Bop-a-Lula de Gene Vincent

La ligne de basse

Celle-ci est beaucoup plus influencée par le genre country and western que par le rhythm and blues.

Instrumentation très similaire au Rhythm and Blues

Cependant, avec quelques changements :

• Un saxophone moins “hurlant”,
• L’usage plus fréquent de la guitare acoustique et de la contrebasse. Cette dernière est jouée de manière “slapée” .(c’est-à-dire tirer la corde de façon à frapper la touche. Cela a pour but de produire un son plus percussif.)
• Des mélodies chantées avec une voix naturelle et de manière compréhensible.

Le rockabilly s’impose alors comme une alternative acceptable au rock n’roll mainstream.

D’autant plus que les chanteurs de rockabilly semble souvent plus raisonnables que les “sauvages” hurlant leur rock n’roll. D’ailleurs, la plupart ont un look de gendre idéal qui passe mieux auprès des parents.

Nous venons de découvrir ce qu’étaient les genres rock n’roll mainstream et le rockabilly. La prochaine fois, nous verrons le 2 autres genres qui existaient dès le début du rock.

Maintenant, si tu devais choisir, tu serais plutôt team rock n’roll mainstream ou rockabilly ?

Voilà pour maintenant ! Tu peux écouter les artistes et les chansons mentionnées dans l’article dans la playlist juste ici. Et n’hésite pas à partager si tu as aimé ou si tu penses que ça peut intéresser quelqu’un que tu connais.

Aussi, tu peux retrouver toutes les caricatures juste ici !

À bientôt !

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Sources :

Une histoire musicale du rock – Christophe Pirenne

Wikipédia

La noire, la blanche et la ronde – Les figures musicales – Apprends les rythmes – Cours de musique – Smile and Learn: https://www.youtube.com/watch?v=hxU1g4w7Jvs

Artiste Audio :https://artisteaudio.fr/histoire-du-rockabilly/

Claire Abe

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